La pratique artistique de Lucie Planty prend la forme de collectes et de collections d’images sur l’Histoire, sur sa façon de nous apparaître et la possible disparition ou dégradation de ces formes. Elle propose une réflexion sur les formes de la mémoire, sur la perte de la légende ou de la source, sur les archives numériques et leurs transformations dans le temps, sur les enjeux inquiets d’un délitement des outils de conservation dû aux bouleversements à venir. Ces collections sont organisées en installation d’images, sous forme d'espaces de consultations qui peuvent être touchées, modifiées, organisées. Ces installations sont donc souvent modulables, leurs compositions sont laissées librement à l’attention du public et se modifient perpétuellement, ainsi que leurs préservations qui dépendent du soin porté aux objets manipulables. Cette réflexion sur notre histoire partagée est aussi interrogée dans sa forme collective : si le fond de l’œuvre questionne notre p·matrimoine, son dispositif produit des espaces de dialogues et d’actions qui font de ces installations des formes vivantes. [suite ⇲]

Siècle Dernier est une installation de 100 livrets cloués au mur, composés d’images en noir et blanc prélevées dans les pages du quotidien italien « La Stampa » entre 1900 et 2000. Les archives de ce journal ont été numérisées et publiées sur internet, mais priorité a été donnée au texte et beaucoup de photographies ont été dégradées par l'OCR (reconnaissance optique de caractères) ; nombre d’entre elles sont devenues illisibles. Ces photographies endommagées par leur numérisation ont été patiemment prélevées, aidées par une technique de data hoarding, et les images sont reproduites à l’échelle, chronologiquement, 1 livret par année. Le contenu de ces photographies est devenu impossible à identifier et ne porte plus d’information historique. Elles affichent désormais ce paradoxe : elles ont été rendues illisibles par le support qui devait les faire apparaître.

Scrying frames est à la fois le titre de l’exposition qui s’est tenue à INSTINC Singapour et d’une vidéo exposée à cette occasion. Le film Scrying frames a été réalisé à partir de bobines de films Super 8. Chacune de ses 20 000 frames a été transformée en plusieurs étapes à l’aide d’outils informatiques traditionnels, de dessin et d’intelligence artificielle, puis reconstituées en films à nouveau. Il conserve tous les signes d’une bobine (décalages, poussières, apparitions des bordures de frames...), tout en ayant une matérialité dessinée et évanescente. Le terme ‘scrying’ désigne une ancienne pratique divinatoire d’apparition d’images, notamment passées, sur des surfaces réfléchissantes - qui est poétiquement mis en relation avec le cinéma à travers les différentes oeuvres de l’exposition. Ces images donnent à voir de telles visions : des enfants nageant dans une rivière, des amoureux se reposant dans un parc, et une promenade le long de la plage - qui nous parviennent d’un passé inconnu qu’il nous faut tenter de déchiffrer, mais qui, dans leur banalité, s’entrelacent avec notre temps présent.

Images d’histoires est une collection de centaines de photographies de presse accumulées durant des années dans des journaux. Ces images ont été choisies de façon subjective pour leur étrangeté, leur composition, leur poésie, au regard de leur nécessité de dire quelque chose de l’actualité internationale dans l’espace limité du journal. Cette collection est disposée dans des meubles d’archives, sous forme d’impressions sur feutre qui peuvent être accrochées au mur dans une variation conçue par les visiteureuses. La consultation est laissée libre, c’est la main qui choisit le rythme et le montage, dans une combinaison narrative qui se renouvelle à chaque mise en espace. Chacun·e projette un imaginaire, une interprétation, se raconte un récit activé par ces images silencieuses sans légendes.

Cette installation consiste en plusieurs dizaines de livrets disposés en ligne sur un bureau, laissés à la disposition du public pour être consultés. Les livrets sont des magazines originaux des années 60-70 dédiés à la documentation de savoirs divers. Intégralement noircis, ils semblent comme brûlés, charbonneux, laissant entrevoir parfois sous la lumière le contenu imprimé à l’encre grasse autrefois lisible. Seules quelques images n’ont pas été recouvertes, elles apparaissent aléatoirement au gré des pages, c’est aux visiteureuses de les trouver. Ces images proposent des signes. Ces signes proviennent d’origines diverses (géologiques, produits par le vivant, de langages humains…) qui, privés de contexte et de légende, retrouvent l'opacité qui précède leur déchiffrement (à moins d’en porter soi-même la connaissance de mémoire ou qu’il soit transmis oralement). Ces formes qui signifient l’existence ou la trace de quelque chose apparaissent au fil de cette bibliothèque obscure, comme des phénomènes dans la nuit du savoir.

Dans l’obscurité, dans une forte odeur de souffre, une installation de plusieurs supports en métal surmontés d’une plateforme sur lesquels sont alignées une trentaine d’allumettes noires - sur ces allumettes se trouve une image imprimée issue de vieux journaux qui laisse entrevoir une scène de neige qui scintille dans la nuit. Pour rendre l’image visible, il faut sacrifier une allumette, donc une partie de l’image : elle peut être entrevue le temps de la combustion de l’allumette. Ces images que personne ne regarde jamais, impossibles à retrouver dans le tas incommensurable des archives de l’actualité passée et privées ici de toute légende, réapparaissent pour un court instant avant de retourner presque aussitôt dans l’oubli.

Chronique de l’humanité est une réplique numérique de l’ouvrage du même nom édité par Hachette en 1986. La totalité du livre a été numérisée et publiée à l’identique en une immense page interactive consultable sur une grande table tactile. Le contenu est effacé à l’exception des photographies : il n’en reste plus qu’une succession de milliers d’images sans légendes qui retracent l’épopée humaine dans un silence qui dit sa fragilité. Elles sont aussi à l’image d’une époque, d’une façon de figurer l’histoire, du pays à l’origine de la sélection, elles sont des modèles de représentation. Souvent les visiteureuses se regroupent autour de ce grand coffre lumineux, comme devant un feu autour duquel on se raconte des histoires. Ces images défilent, la plupart n’évoquent rien, visage sans légende, guerre sans date, et parfois, l’une d’entre elles se distingue, on la pointe du doigt, « cette image-là, je la connais » — commence alors un récit.

Specimen est une installation de manuels d’apprentissage reproduits à l’identique (papiers, reliures, formats, mise en page). Une fois ces fac-similés scannés, le contenu est effacé à l’exception des photographies. En faisant de ces manuels des catalogues iconographiques sur des disciplines inconnues, il n’en reste que des livres d’images muets qui portent l’essence du savoir, des techniques et artisanats. Ils sont installés dans un dispositif de documentation et sont laissés à la consultation du public. Cette première installation participative pose les bases de plusieurs reflexions qui vont se prolonger sous différentes formes, notamment Chronique de l’humanité quelques années plus tard.

La vidéo Voyage en Syrie donne à écouter le récit authentique du séjour familial d’un couple en décembre 2002 à l’occasion de Noël. L'histoire racontée de cette excursion est émaillée de trous, que les deux protagonistes tentent de recomposer à partir de leurs souvenirs respectifs. La vidéo montre des détails d’images floues, impossibles à identifier, avec une mise au point vidéo vacillante. À de rares moments, un visuel net apparaît, lorsque le souvenir est énoncé avec certitude. Si le conflit syrien n’est jamais cité, il ne cesse d’apparaître de façon tacite. La narratrice, enceinte, évoque la douleur des contractions qui surviennent dans le contexte d'un voyage éprouvant au milieu du désert et la peur de perdre son enfant qui ne manifeste plus aucun signe de vie depuis le début du voyage. Ce récit amnésique oscille entre la visite touristique d’un p·matrimoine mondial millénaire en ruine, le drame d’un pays entier ravagé par la guerre, et l’histoire personnelle d’une survie et d’une naissance.

Archives de pain est une installation d’images comestibles imprimées sur papier azyme. Ces images proviennent d’album de photographies de famille jetées à la rue et récupérées. Une fois re-prises en photo et imprimées sur le papier azyme, les images sont détruites de façon définitive, comme le souhaitaient les propriétaires à l’origine. En les mangeant, les visiteureuses voient une dernière fois ces clichés, ingèrent ces photographies intimes, abandonnées et désormais disparues pour toujours, devenant comme les dernier·es detenteurices de cette mémoire désormais effacée. Il s’agit de proposer ce geste étrange et un peu absurde : ingérer une image - être iconophage, et chaque personne réagit fortement et différemment à cette proposition.

astres & poussières est un livre constitué à partir d’une sélection de photographies du début du XXe siècle. Cette iconographie est un recueil dans lequel le soleil, la lune ou des taches de poussière (ressemblant à des taches dans le ciel) apparaissent en arrière-plan des lieux historiques, vides, en ruines, abandonnés. Les conditions de conservation ont parfois laissé des traces blanches et rondes. Cette sélection met au même niveau ces taches et ces étoiles qui constituent deux unités de mesure de l’infiniment grand et de l’infiniment petit, en fin de compte semblables en apparence.

L’œuvre Collection Particulière consiste à redonner une réalité matérielle, sous forme de copies, à des tableaux spoliés disparus durant la Seconde Guerre mondiale, perdus et jamais retrouvés, en les restituant en couleur et au format d’origine à partir d’archives photographiques en noir et blanc. Ces trois copies représentent trois portraits: une figure religieuse, un acteur mineur de l’histoire et un inconnu. Les trois peintures choisies sont d’époques et de styles différents, d’artistes célèbres ou méconnus. Le travail de reconstitution a été conçu avec un copiste, Philippe Van der Linden, pour tenter d’imaginer les couleurs de ces tableaux perdus, d’inventer des détails cohérents, d’imaginer les formats, de saisir l’intention de l’artiste dans les pixels, dans un long travail de recherche pour tenter de fabriquer des doubles inexacts de ces oeuvres. Ils résistent à leur disparition avec ces faux et survivent comme des fantômes.

Johann Michael Bretschneider est un peintre mineur et méconu de la fin du 17e siècle dont l’œuvre se résume à quelques rares tableaux représentant des galeries de peintures. À travers ces figures de style académique se trouve une œuvre meta à peine formulée. Ses galeries peintes ne sont tapissées que de ses propres peintures, au demeurant jamais véritablement réalisées, il n’est jamais entré dans l’histoire de la peinture (aucune publication). Bretschneider, collection privée est un travail protéiforme qui vise à faire apparaître de nulle part un artiste ignoré soudainement fort de 500 peintures provenant d’une mystérieuse collection privée fictive (que j’ai en réalité été photographié à plusieurs endroits en Europe, devenant ainsi la seule détentrice du fonds iconographique de cette meta-œuvre) par des textes, des conférences, des publications sur internet, et d’en réaliser avec malice une analyse poétique et historique. Son travail et sa place dans l’art sont remis en jeu par de simples effets de recadrages et de montages - n’est-ce pas toujours de cette manière que se construit l’histoire ? -, et ce travail d’écriture met en lumière une vraie-fausse histoire de la peinture.

Tempo de l’Art est une émission radio qui se propose d’inviter de jeunes acteurices de l’art contemporain sous forme d’un rendez-vous mensuel autour d’une actualité. Les invité·e·s sont à la fois artistes, commissaires d’exposition, auteurices, directeurices de lieux d’exposition. Cet espace se veut un temps d’écoute de qualité des jeunes artistes, un espace de promotion de leurs expositions, et un moment de réflexion sur les enjeux de la création contemporaine. L’émission est diffusée sur Fréquence Protestante, radio laïque et culturelle, ainsi que sur toutes les plateformes de podcast. L’émission est enregistrée au studio dans les conditions du direct et non montée.

Cet artists-run space a accueilli depuis son ouverture une trentaine d’expositions et plusieurs centaines d’artistes, curateurices, acteurices de l’art. Cette plateforme de recherches et de production s’est donnée pour mission la diffusion et la valorisation de la création contemporaine sur un principe de mutualisation des savoirs et des équipements. in.plano porte et revendique dès son origine la singularité de vouloir créer un atelier autant qu’un véritable lieu d’exposition. Entre autres, in.plano est invité à exposer au Salon de Montrouge 2022, ainsi qu'à The Others Art Fair à Turin en 2018. Le collectif obtient un soutien de la Fondation de France en 2023-24 pour la production de plusieurs expositions avec des commissaires invité·e·s (Léa Djurado, Alexandra Goullier Lhomme, Adrien Elie, Noelia Portela) qui se tiennent au 6B, au Doc et à Au Lieu, obtient une Bourse DRAC Île-De-France en 2020, et est lauréat du prix de la Fondation de France François de Hatvany en 2018. Le lieu d’exposition d’origine a été détruit de façon illégale et irreversible en 2022 (article Libération ⇲).

Les différents cours consistent principalement en l’exploration d’une très large collection de documents (films, photos, textes, livres…), regroupés en différents sujets de recherche sur les images et organisés sur une plateforme numérique dédiée. Cette base de données est enrichie chaque année de nouveaux sujets, d’ajouts de références ou de documents en lien avec l’actualité. Constituée patiemment et méticuleusement, cette vaste collection forme un socle de recherche qui est la fondation des œuvres présentées ici et dont les ramifications, ainsi que les futurs ajouts, préfigurent celles à venir.

Cette année de pandémie de Covid 2020 aura été l’année de la distanciation, qu’elle soit sociale, psychique ou physique. Date(s) se propose d’absorber cette distance. Elle est une exposition postée qui souhaite remettre l’œuvre au creux de la main et qui déplace son expérience au sein de l’intimité du foyer. Date(s) propose une série de onze rencontres entre des œuvres et leurs abonné·e·s. Onze œuvres qui viendront s’ajouter, se rencontrer - à leur tour - au fil de l’année 2021 pour former ensemble une exposition unique et variable qui refuse le seul privilège du sens de la vue. Date(s) est une proposition hors cadre. L’œuvre, puis l’exposition sont dépouillées de toutes leurs habitudes et se présentent nues, sans a priori aucun, dans des intérieurs qui leur sont inconnus. [...] texte curatorial, suite ⇲